СТИЛИ И НАПРАВЛЕНИЯ В СОВРЕМЕННОМ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ

Традиционно считается, что ко второй половине XIX века на смену романтизму пришел реализм - направление, связанное со стремлением «осмыслить действительность во всей ее полноте и разнообразии, отобрав при этом наиболее существенные и типические моменты».

Термин «реализм» за всю историю его существования неоднократно изменялся, наполнялся все новым и новым содержанием, нередко противоречащим предыдущему.

О начальном периоде реализма в науке нет единого мнения. И до сих пор нередко можно слышать о «реализме наскальных рисунков», хотя, как известно, доминирующей чертой культуры первобытной эпохи был синкретизм, поэтому подобные артефакты относились не к искусству, которого, по указанной причине просто не существовало, но к ритуалу и магии. Едва ли правомерно говорить и о «средневековом реализме», ибо для человека Средневековья вполне реальными и «типическими» были дьявол, адские печи, ведьмы, инкубы и пр. Что же касается художников Возрождения, то они совершили величайший переворот в истории европейской культуры, смело ломая в своей художественной практике все устоявшиеся живописные каноны, строго регламентирующие, что «существенно и типично», а что нет.

Применение в фотографии принципов художественного конструирования или «дизайна», (это емкое слово принято теперь в качестве международного термина), иной раз понимается как уменье эффективно использовать технические приемы, чтобы приукрасить фотоснимок. Такой взгляд, однако, ошибочен: не считаем же мы архитек­туру лишь средством украшения фасада здания! В фотографии, как и во всяком (не только в прикладном) искусстве, дизайн - это и процесс, и результат сочетания отдельных элементов в единое целое, как можно лучше отве­чающее своему назначению. Чайник, например, это прибор, который должен быть достаточно легким для руки, не протекать, сохранять тепло, не разбрыз­гивать струю и удовлетворять ряду других условий. Дизайн чайника должен учесть все условия при выборе мате­риала. формы, толщины стенок и так далее. Правильный дизайн обеспечит соответствие чайника своему назна­чению.

Сделать фотоснимок, отвечающий своему назначению, тоже не просто. Назначение снимка - восприниматься зрением. Чаще всего (хотя не всегда) он представляет собой плоский пред­мет, нечто сообщающий зрителю.

Школа реалистического искусства пришла в Россию из Евро­пы. Это касается и трехмерной станковой живописи, графики, декоративного искусства, и скульптуры для фешенебельных буржуазных салонов. Это искусство, развиваясь в России, как зерно, не только упало, но и глубоко вошло в российскую почву, проросло Россией - ее православием, историей, душой!

До Октябрьской революции 1917 года в Уфе не было ни художественного музея, ни художественных учебных заведений. Молодежь уезжала учиться в Москву, Санкт-Петербург, Казань, Пензу. Художниками-профессионалами были лишь иконописцы. А богатые уфимцы обычно заказывали студентам-художникам копии с популярных картин.

Русские национальные традиции в изобразительном искусстве формировались в XVIII веке на основе европейской школы уси­лиями художников нескольких поколений и направлений. XIX век не внес серьезных изменений в систему преподавания Академии художеств. Александр Иванов называл ее «гнилью нашего време­ни», Иван Крамской — «рабою западного искусства». Ф. А. Бруни (1800—1875), возглавлявший Академию художеств с 1855 года, утвердил академический романтизм картиной «Медный змий» (1841, Русский музей). Итак, он сделал первые шаги и указал пути развития этого течения.

Романтизм явился ответной реакцией на сухой и бездушный академизм, особенно укоренившийся в Европе в эпоху Великой французской революции и Наполеона. В новом, романтическом направлении все мчалось, бурно двигалось и низвергалось в про­тивовес торжественной соразмерности движений академической живописи. Карл Брюллов был первым из русских художников XIX века, покорившим, потрясшим своим мастерством всю Евро­пу. Это он — Карл Брюллов заставил обратить взоры на русскую живопись своим гениальным романтическим произведением «Последний день Помпеи» (1832, Русский музей). В этом направ­лении создали свои великолепные полотна О. А. Кипренский (1783-1836), А. О. Орловский (1777-1832), К. Д. Флавицкий (1830-1866).

Французский искус­ствовед и мысли­тель XIX^-XX веков Анри Фосийон писал: «В истории живописи нет ничего более великого и более странного, чем эта прозрач­ная форма монументальной живописи: витраж». Изобретение витража дати­руется примерно первым ты­сячелетием нашей эры. Вна­чале витражи использова­лись только в готических хра­мах: пропуская дневной свет, они создавали особое нас­троение в местах уединения и молитвы верующих. Это были простейшие сочетания кусков цветного стекла.

Вслед за простыми геомет­рическими появились орна­ментальные и сюжетные, преимущественно религиоз­ные витражи. Постепенно в рамки канонических сцен проникли изображения птиц, животных, пейзажей. Витраж стал престижным элементом отделки дворцов и особняков, гордостью сво­их обладателей. Возможности стекла как художественного материала широко применяются в мо­нументальном и декоратив­ном искусстве. Витраж со­единяют с ковкой, мебелью, скульптурой, малыми и большими архитектурными формами. Изделия из вит­ражного стекла используют как объект архитектуры, они преображают любое про­странство. Благодаря спо­собности пропускать свет витраж может использовать­ся как приём зонирования, который не нарушает целостности пространства. При раз­ном освещении стекло пре­ломляет свет по-разному, и витраж всякий раз выглядит по-новому. Каждый интерь­ер с применением витража приобретает уникальность и изящество. Витражи служат украшением оконных про­ёмов, дверных полотен, их используют в качестве деко­ративных подсвечиваемых панно, украшают ими свето­вые фонари потолков, меж- комнатные двери, перего­родки, ниши, дверцы шка­фов и другие поверхности. Современный витраж пере­живает качественно новый этап развития. Сегодня ху­дожественное стекло под­вергается активным экспе­риментам с формой, факту­рой, светопрозрачностью, в результате чего появляются новые формы витражей, новые типы объёмно-про­странственных конструкций из стекла, обогащаются тра­диционные техники изго­товления витражей.

В пространстве выставки номинантов на Премию Кандинского в ЦДХ состоялся круглый стол на тему «Стандарты качества и современные типы художественного производства». «Артхроника» записала, что говорили его участники.

Кирилл Алексеев (ведущий). Хотелось бы представить участников круглого стола, посвященного проблеме качества в современном искусстве и вопросам производства искусства.

Сегодня в круглом столе участвует художник Андрей Кузькин, художественный критик Валентин Дьяконов, теоретик и арт-критик Александр Евангели, художник Борис Орлов, директор Открытой галереи Наталья Тамручи и куратор Яра Бубнова. А также Кирилл Светляков, руководитель отдела новейших течений Государственной Третьяковской галереи и Кирилл Алексеев – искусствовед.

Тема круглого стола выбрана не случайно, потому что вопрос качества современного искусства до сих пор открыт. Мы имеем большой объем художественного производства и художественной продукции, но четкие параметры, которые могли бы определить качество произведения, не артикулированы. Есть много разных мнений, но ясной позиции не существует. На материале и Премии Кандинского, и текущих проектов Московской биеннале мы хотели бы обсудить, что мы понимаем под качеством художественного произведения. Ждем ли мы вообще чего-то от грядущих выставочных проектов, работы кураторов, арт-критиков, художников? Хотелось бы предоставить слово Кириллу Светлякову, руководителю отдела новейших течений Государственной Третьяковской галереи.

Мода на фотографию стимулировала воз­никновение фотореализма как главного сти­ля 70-х годов. Можно согласиться с кри­тикой Б. Роуз в том, что популярность фотореализма, связанная с ренессансом са­мой фотографии, возродила возможность такого репрезентативного искусства, кото­рое представляло известную угрозу гегемонии абстракционизма в американской живописи, позволяло думать, что сам тер­мин «модернизм» стал «подозрительным». Однако делать отсюда вывод, с которым мы встречаемся в монографии Е. Л. Смите «Искусство сегодня - от абстрактного экс­прессионизма к суперреализму», о том, что модернизм идет к своему концу, было бы преждевременным.

Гиперреализм не был угрозой ни для постмодернизма в целом, ни для его натуралистических ипостастей. Многие западные авторы прямо указывают на преемствен­ность гиперреализма с модернизмом (в ча­стности, абстракционизмом) и постмодер­низмом (в частности, с поп-артом).

Но прежде чем говорить о «сходстве» гиперреализма с абстракционизмом и поп-артом, напомним, что сама история фото­графии свидетельствует о наличии в ней не только реалистических, но и «формо­творческих» тенденций. Имея в виду имен­но эти последние, З. Кракауэр не без осно­ваний утверждал, что, как ни парадоксаль­но, фотография способствовала развитию абстракционизма. Фотоснимки в русле «формотворческой» тенденции далеко ушли от изображений реальной действительности и многие из них напоминали абстракцио­нистские картины. Влияние этого направ­ления в фотоискусстве на гиперреализм не вызывает сомнения.

Все чаще и чаще встречаются анонсы о предстоящих выставках художника наивного искусства. Вот сегодня мы и попробуем разобраться, что же это такое наивное искусство.

Во-первых, посмею себе предположить, что все изобразительное искусство берет свое начало из наива. Ведь когда не было классической школы, не были выведены законы живописи. Были сюжеты и были люди, которые хотели запечатлеть эти моменты на холсте или любом другом материале. Если призадуматься, то первые наскальные рисунки первобытного человека – это тоже наивное искусство.

Во-вторых, любой художник, впервые взяв в руки карандаши и кисти, начинает просто изображать на листе то, что он видит вокруг себя. Не подчиняясь законам логики и живописи, рука сама ведет линию туда, куда ей нужно. И так рождается живопись. Это потом приходят опыт и знания, но так или иначе все через этот этап проходят. Но почему тогда некоторые на этом этапе остаются?

Попробуем обратиться к определению и истории наивного искусства. Наивное искусство (от английского naive art) - стиль творчества самодеятельных, не получивших профессионального образования художников. Часто это понятие используется как синоним примитивизма, но в последнем речь скорее идет о профессиональном подражании непрофессиональному. Исторические корни наивного искусства – берут начало в народном художественном творчестве.

Рассказ этот – о Пастели: редкой и удивительной художественной технике, которую часто называют «падчерицей графики и живописи». Называют люди несведущие (хотя среди них, к сожалению, встречаются и журналисты, и даже искусствоведы). А вот художники, работающие с пастелью, скорее скажут, что она – любимое дитя, унаследовавшее от своих именитых родителей их лучшие качества.

История пастели как самодостаточного материала в живописи насчитывает около 300 лет. После Леонардо почти все великие художники так или иначе отдали ей должное (собственно, сангина, сепия, соус – та же пастель).

Но случилось так, что за несколько столетий своей жизни Пастель не единожды претерпевала периоды расцвета и забвения. К сожалению, существовавшее во все времена ложное мнение, что она – слишком хрупкая и капризная барышня, любящая тишину, покой и сумрак; боящаяся даже шагов посетителей музея, всё-таки сыграло свою роль – роль злой мачехи, которая пытается скрыть обаяние своей падчерицы за неприглядным платьем и пятнами золы на щеках…

Тонкость и изящество техники пастели в сочетании с необычной звучностью красок и богатством фактуры привлекала самых талантливых и именитых мастеров во все времена. В России это А.Венецианов, О.Кипренский, И.Крамской, И.Левитан, В.Серов, Б.Кустодиев, В.Борисов-Мусатов, М.Врубель Н.Рерих, М.Чюрлёнис. За рубежом – Эжен Делакруа, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Дега…
И всё же это были лишь отдельные работы, в которых уникальные достоинства пастели приоткрывались только отчасти, далеко не в полной мере… Пастель часто использовалась для эскизов, набросков – и причиной тому был, прежде всего, миф о хрупкости и недолговечности пастели. Суровые революционные времена и настроения тоже отнюдь не способствовали развитию столь нежного и аристократического искусства. «На балу » царствовала масляная живопись, а трудолюбивая очаровательная Золушка-Пастель в это время исполняла свой изящный танец на лесной полянке, где её могли видеть только птицы и облака…

Со времени появления первых регулярных международных конкурсов печатной графики прошло около полувека. Движение графических биеннале, начавшееся в середине двадцатого столетия в одной – двух странах мира, сегодня охватывает десятки стран Европы, Азии, Северной и Южной Америки.

Получившие широкое развитие, эти конкурсные выставки в значительной степени определяют пути развития графического искусства: они активизируют стремление художников к совершенствованию мастерства, инициируя авторские эксперименты и в области печатных техник графики, и в области стилистики.

Обновление искусства всегда начиналось с обновления содержания. В век информационной культуры, когда во все виды человеческой деятельности внедрены компьютерные технологии, язык искусства расширяет свои возможности средствами компьютерной графики; классическая эстетика, четкие критерии художественности, сформулированные философами и мыслителями XIX-XX столетий уступили свои позиции эстетике постмодернизма. Новаторство определяется в единстве содержания и формы, более того, новаторство содержания не может быть без обновления формы, а обновление формы связано с новыми технологиями.