Русский авангард в Новой Третьяковке

В Третьяковской галерее хранится одна из самых впечатляющих коллекций русского авангарда. Подготовили маршрут по знаменитым работам художников, от Петрова-Водкина до Малевича и Кандинского. Предлагаем узнать, чем «Красный конь» прославил своего автора, что общего у «Солдата» и Венеры, какие тайны хранит «Черный квадрат» и почему не летает «Летатлин».

Пророческая картина Кузьмы Петрова-Водкина

Картину впервые показали на выставке «Мир искусства». Критик и автор рецензий Всеволод Дмитриев назвал ее «высоко поднятым знаменем, вокруг которого можно сплотиться». Но публика «Купание красного коня» не поняла: картина была слишком сложной и странной, многие увидели в ней революционные настроения.

Кузьма Петров-Водкин. «Купание красного коня», 1912 год © Public Domain

Петров-Водкин пытался создать новую живописно-философскую картину мира. В его картине бытовая зарисовка о купании коней превратилась в нечто монументальное и даже пугающее. Особенность картины — сферическая перспектива: художник изобразил предметы одновременно сбоку и сверху, как это делают иконописцы.

«Купание красного коня» прославила Петрова-Водкина и дала ему репутацию пророка. Когда началась Первая мировая война, многие рассмотрели в «Коне» символизм русской национальности. И сам автор картины тогда сказал: «Так вот почему я написал "Красного коня"!». А в 1917-м году в картине увидели предсказание Октябрьской революции.

Неопримитивизм Михаила Ларионова и Наталии Гончаровой

Эта картина — часть солдатской серии Михаил Ларионова. Солдат развалился у забора, он небрежно делает самокрутку, его лицо выражает одновременно блаженство и бессмысленность. На заборе — надписи и рисунки. Другой художник мог бы этой сценкой привлечь внимание к острым социальным проблемам из быта солдат, но Ларионов говорит о другом. Солдат здесь — человек без смысла и идеи. Военная служба — естественное для него занятие, вне которого он не знает, чем себя увлечь. У самого художника был опыт солдатской жизни: летом 1911-го года он служил под Санкт-Петербургом в лагерях.

Михаил Ларионов. «Отдыхающий солдат», 1911 год © Public Domain

Нескладная поза солдата — пародия на богиню Венеру, которую всегда изображают идеальной и смеяться над которой нельзя. Неправильная светотень — протест Ларионова против салонного искусства. А нереалистичность изображения — отличительная черта примитивизма Ларионова.

Наталия Гончарова увлекалась скифами и их творчеством. Этот интерес проявился в нескольких ее работах, в том числе и в «Крестьянах, собирающих яблоки». Персонажи — грубые, угрюмые, с анатомически невозможными ногами и руками. Многие критики видят в этой картине влияние африканской скульптуры. Кажется, что крестьяне здесь — это не крестьяне, а идолы из дерева.

Наталия Гончарова. «Крестьяне, собирающие яблоки», 1911 год © Public Domain

Интересно, что в начале 1900-х Гончарова еще писала в стиле импрессионизма. Но после посещения парижских выставок она увлеклась примитивизмом. Наталия активно рисовала и участвовала в выставках в России и за рубежом. В 1909-м году Гончарову отчислили из Московского училища живописи, ваяния и зодчества, где она училась на отделении скульптуры. После отчисления художница продолжила творить.

Вечная любовь Марка Шагала

Шагал изобразил то, что многие не могут описать словами: он написал красками счастье взаимной любви. Легкость, которую испытывают влюбленные, и ощущение невесомости, когда в твоей руке — рука любимого человека.

Марк Шагал, «Над городом», 1918 год © Public Domain

Герои картины — Марк Шагал и его жена Белла. «Над городом» Шагал начал писать в 1914-м году, на тот момент он был знаком с Беллой уже пять лет, но четыре года из них провел вдали от нее. На момент первой встречи Марк был бедняком, сыном разнорабочего, а Белла — обеспеченной дочерью ювелира. Шагал уехал в Париж, чтобы изучить искусство и заявить о себе. Став художником с громким именем, Марк вернулся к Белле и предложил ей выйти за него замуж.

Белла умерла в 1944-м году. После ее смерти у Шагала были отношения, но он никогда не говорил о своей жене как об умершей и не переставал чтить ее память: она навсегда осталась его музой.

Знаменитый квадрат Малевича

«Черный квадрат» Малевича — одно из самых обсуждаемых художественных произведений в мире. Эта картина — часть цикла супрематических работ Малевича и часть триптиха, в котором есть «Черный круг» и «Черный крест».

Казимир Малевич. «Черный квадрат», 1915 год © Public Domain

«Черный квадрат» — неоднозначная картина. Кто-то восхищается ее гениальностью и находит в ней глубокий философский подтекст. А кто-то хвалится, что и сам может нарисовать такой квадрат за пять минут. Нарисовать квадрат черного цвета действительно несложно. Но не каждый такой квадрат будет квадратом Малевича.

Кстати, квадрат — не квадрат. Стороны фигуры не параллельные, а углы не прямые. Художник намеренно сделал квадрат неквадратным, чтобы создать подвижную фигуру. А черный цвет четырехугольника — не черный. Малевич добился нужного цвета, смешав мел, темно-зеленый пигмент и жженую кость.

Нелетающий «Летатлин»

«Летатлин» — это орнитоптер, индивидуальный летательный аппарат без мотора. Татлин создал его вместе с помощниками, которых тщательно отбирал среди своих студентов. «Летатлин» был создан в трех экземплярах, два из которых были утрачены, а третий после реставрации попал в Третьяковку.

Владимир Татлин. «Летатлин № 3», орнитоптер-мускололет, построенный в 1929–1932 годах В. Е. Татлиным © Dmitry Ivanov., CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commons

Само название «Летатлин», как вы уже догадались, происходит от глагола «летать» и фамилии автора.

У Татлина были большие надежды на этот аппарат. Он говорил друзьям, что создаст нечто не менее потрясающее, чем Венера Милосская. Но, увы, «Летатлин» так и не смог взлететь. Впрочем, автор все равно видел в нем огромный художественный смысл. Художник говорил: «Летательный аппарат как объект художественной конструкции мною выработан потому, что это наиболее сложная динамичная материальная форма, которая может войти в обиход советских масс как предмет ширпотреба… Летательный аппарат — форма, которая отвечает потребности момента в преодолении человеком пространства».

Терапевтическая Москва Кандинского

В 1914-м году Кандинский вернулся из Германии в Россию. Это было сложное для художника время — он потерял душевное равновесие, перестал ощущать почву под ногами. И именно Москва помогла ему вернуть себе себя. Он говорил: «Москва — это та почва, откуда я черпаю свою силу и где я могу жить духовной жизнью, столь необходимой для моей работы».

 Василий Кандинский. «Москва. Красная площадь», 1916 год © Public Domain

И Кандинский сидел в московской мастерской на шестом этаже и смотрел из окна на Кремль. А потом взял кисти и написал то, что написал. Он смешал разные элементы города, чтобы добиться нужно эффекта: показать Москву разносторонней, со всеми ее слабыми и сильными частями. Картина получилась живой, динамичной, мы будто можем услышать городской гул, глядя на нее.

Художественная уникальность «Москвы» Кандинского в том, что она написана на стыке абстрактной и предметной живописи.

Радикальные формы Александра Родченко

Александр Родченко был родоначальником рекламы и дизайна в СССР. Его работы — концептуальные, иногда непонятные, но всегда поражающие.

Александр Родченко. «Композиция 64/84. Абстракция цвета. Обесцвечивание», 1918 год © Public Domain

После революции левые художники первыми стали работать с большевиками. В 1917-м году был создан профсоюз художников, в котором Родченко стал секретарем Молодой федерации. В те годы он начал увлекаться беспредметной живописью, а сразу после нее переключился на пространственные конструкции. Как говорил сам Родченко, это был «выход живописи в реальное пространство».

«Композиция 64/84. Абстракция цвета. Обесцвечивание» связана с аналитической, исследовательской стадией в искусстве Родченко. Здесь он дает свою интерпретацию «Черного квадрата» Малевича, а также развивает тему «черное на черном» в дополнение к супрематической теме «белое на белом».

А еще в Третьяковке есть «Рабочий клуб» Родченко. Он был создан в Париже на Всемирной выставке в 1925-м году. Замысел автора — создать идеальное помещение для культурного времяпрепровождения и самообразования. «Клуб» был реконструирован немецкими мастерами в 2008-м году для выставки «От плоскости к пространству. Малевич и ранний модернизм». А после выставки его подарили Новой Третьяковке.

Отрицатели академизма и реализма «Бубновый валет»

У Лентулова особые отношения с колоколами. По словам дочери художника Марианны, он обожал колокольный звон. Когда к власти пришли советы и колокола запретили, Лентулов привязывал кочергу к веревке и бил ее о печку, перед этим он затыкал себе чем-нибудь уши. Получался почти настоящий колокольный звон.

Аристарх Лентулов. «Звон. Колокольня Ивана Великого», 1915 год © Public Domain

У художника был отличный музыкальный слух: он относился к картинам как к симфониям, написанным красками. Картины Лентулова звучат, а картина «Звон» звучит особенно громко! В центре ее — раскачивающийся колокол, вокруг него — волнообразные плоские изображения разных цветов, передающие звук. Вы слышите его?

Кончаловский написал эту картину в итальянском городе Сиене. Он запечатлел себя, жену Ольгу, девятилетнюю дочку Наталью и шестилетнего сына Михаила.

Картина хорошо отражает образ жизни семьи Кончаловских в те годы. Тогда им приходилось много путешествовать, они жили в Сибири, Испании, Франции… Дети спокойно относились к ночевкам на чемоданах в ожидании очередного поезда. В новых местах Петр изучал музеи и писал, а жена и дети всегда были рядом — смиренно ждали.

Петр Кончаловский. «Семейный портрет (сиенский)», 1912 год © Public Domain

Столовая на картине с ее голыми стенами напоминает трапезную в монастыре. Еды мало — скромный монашеский обед. Халат Петра очень напоминает одежду странствующего по миру монаха, а стиль написания картины напоминает фреску. Кончаловский сделал это намеренно: он специально подбирал упрощенные цвета, которые используют обычно для создания фресок.

Однажды возле холста с «Семейным портретом» поставили стул, и художник увидел, как стул словно врастает в картину, становится ее частью. После этого Кончаловский начал проводить эксперименты с картинами — клеить наклейки и привязывать калачи на натюрморты.

Илья Машков вместе с уже упомянутыми Петром Кончаловским и Аристархом Лентуловым был одним из основателей художественной группы «Бубновый валет», куда входили ранние авангардисты. Многим мастерам этой группы было свойственно позитивное восприятие действительности. И именно в картинах Машкова это прослеживается наиболее ярко.

Илья Машков. «Натюрморт. Фрукты на блюде», 1910 год © Public Domain

В центре картины — ярко-оранжевый апельсин. Вокруг него — темные сливы и другие фрукты. Подчеркивают насыщенность цветов белая скатерть и серый фон.

«Фрукты на блюде», которые иначе называют «Синие сливы», — старт Машкова в жанре плоскостной живописи. Впоследствии художника назовут королем натюрмортов.

Несмотря на плоскость изображения, кажется, будто мы чувствуем аромат спелых плодов. А если прикоснемся, то ощутим бугорки и ямки апельсина, гладкую кожуру слив и пушистую мягкость персика.