Шедевры испанской живописи в Эрмитаже

Коллекция испанской живописи в Эрмитаже — наиболее значительная за пределами Пиренейского полуострова. Вспоминаем шедевры, которые нужно увидеть в музее.

Эль Греко: напряженный диалог апостолов Петра и Павла

Уроженец острова Крит и грек по происхождению, Доменикос Теотокопулос стал известен под именем Эль Греко. Он учился в Италии в мастерской Тициана, а затем переехал в Испанию, в Толедо — столицу искусств того времени. Эль Греко считается самым ярким представителем маньеризма в Испании. Его манера письма сочетает традиции византийской, итальянской и испанской живописи и отличается драматической экспрессивностью исполнения. Эль Греко часто пишет святых и апостолов, создавая так называемые циклы «апостоладос». В парных изображениях художник сопоставлял разные типы характеров.

Эль Греко. «Апостолы Петр и Павел», между 1587 и 1592 годами, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург © Public domain

В работе на тему апостолов главное — напряженный внутренний диалог страстного проповедника Павла и сомневающегося Петра. Павел до принятия христианства яростно преследовал верующих, а затем сам стал горячо проповедовать новую веру. Апостол Петр, будучи одним из ближайших учеников Христа, трижды от него отрекался и, раскаявшись, возвращался к христианству.

Павел изображен в момент проповеди, рука опирается на раскрытую книгу. Эль Греко колористически выделяет фигуру проповедника, его тяжелый темно-красный плащ — основной красочный акцент картины. Энергичные черты лица и горящий взор убежденного в своей вере Павла противопоставлены слабой и беспомощной фигуре Петра с умоляющим выражением лица и протянутой рукой. В отличие от тщательно проработанных черт лица Петра голова Павла написана лессировками.

Композиционный центр картины образуют жесты рук, сильные и волевые с одной стороны и слабые, молящие — с другой. Вся сила экспрессии заключается в них и в выражении лиц апостолов: пламя внутренней страсти у одного и нерешительность у другого.

Скорбная Богоматерь и крест

Луиса де Моралеса прозвали «Божественным» за приверженность библейским сюжетам и темам. В творчестве Моралес испытывал сильное влияние Рафаэля, а в его живописной манере соединились народная набожность, истовая религиозность Средневековья, мистика и спиритуалистическая эстетика маньеризма. Маньеризм пришел на смену искусству Возрождения, ему были свойственны эмоциональность в передаче образов, метафора, гротеск и «эстетизация» отдельных элементов.

Луис де Моралес. «Богоматерь с Младенцем», 1570-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург © Public domain

Основная тема живописи Моралеса — христианская жертвенность и покорность. Для него характерны удлиненные фигуры, застывшие в статичных скорбных позах, внутренне напряженные лица, скупые, словно оцепеневшие жесты, темные фоны и гаммы холодных тонов.

«Богоматерь с Младенцем» — одна из самых известных картин Моралеса, ее также называют «Мадонна с младенцем и прялкой в виде креста». Богородица со скорбным, удлиненным лицом смотрит на младенца, который внимательно рассматривает прялку, напоминающую формой христианский крест. В левой руке он держит веретено. Это метафора жизни и плетения человеческих судеб, знак ответственности, возложенной на Иисуса, и смиренного принятия им своей судьбы. В сумрачной цветовой палитре фигуры матери и ребенка словно светятся, рельефно выступая на темном фоне.

Мурильо: повседневная жизнь испанских Мадонн

Глава севильской школы живописи Бартоломе Эстебан Мурильо трактовал религиозные сюжеты как повседневные сценки из жизни Иисуса и святых. Среди стилевых особенностей его живописи — приземленная трактовка религиозных сюжетов, мягкий лиризм, ярко выраженный национальный характер, богатство красок и превосходно сработанные светотени.

Бартоломе Эстебан Мурильо. «Отдых святого семейства на пути в Египет», около 1655 года, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург © Public domain

Свет обычно падает только на главные фигуры, что позволяет безошибочно определить, на что следует обратить внимание. Его герои — человечные святые, обычные люди с искренней верой на лицах, а многочисленные Мадонны — прелестные жительницы родной Севильи. Евангельские сцены он наполняет живыми подробностями и бытовыми деталями, подчас даже смущающими зрителей.

«Отдых на пути в Египет» близок к манере ван Дейка. Простота идеально выверенной композиции, теплый тон и несвятые святые — ласковая девочка-Богоматерь, бережно склонившаяся над младенцем, любопытные пухлые ангелочки и спокойный Иосиф. Нежные краски платья Марии и свет на фигурах высвечивают образ матери и ребенка. На переднем плане Мурильо пишет обыденные бутыль с водой, узлы и шляпу, словно подчеркивая человечность и обыденность рассказанной им истории.

Сурбаран: сдержанная молитва юной Богоматери

«Испанский Караваджо» Франсиско де Сурбаран, прозванный так за подражание мастеру в колорите и светотени, сыграл большую роль в развитии испанского реализма. Для его творчества характерны монументальность и суровость, простота композиции, внимание к свету и тени наряду с тщательной проработкой переднего плана.

Франсиско де Сурбаран. «Отрочество Богоматери», между 1658 и 1660 годами, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург © Public domain

В поздний период творчества Сурбаран обращается к теме детства Девы Марии. На эрмитажной картине одетая в красное платье девочка сидит на стуле с рукоделием в руках. Сложив руки и подняв к небу глаза, Мария молится — сдержанно и искренне. Никакие детали не отвлекают от устремленного ввысь одухотворенного лица и похожей на статуэтку фигуры юной Богоматери. Она вся — молитва, в ней соединились чистота, кротость и искренность религиозного чувства. Художник прекрасно драпирует ткани, смягчая контрасты света и тени на складках платья, а теплые тона фона камерной сцены кажутся воздушными.

«Портрет души» кисти Франсиско Гойи

Это единственная живописная работа прославленного художника эпохи романтизма в Эрмитаже. В отличие от графики Франсиско Гойи, представленной во многих музеях мира, его картины сложно увидеть за пределами музея Прадо в Испании. Творчество Гойи во многом подготовило почву для романтизма и реализма, им вдохновлялись импрессионисты — особенно Моне и Ренуар, а отголоски его «кошмаров» чувствуются в работах немецких экспрессионистов.

Франсиско Гойя. «Портрет актрисы Антонии Сарате», около 1810-1811 годов, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург © Public domain

Будучи с 1780-х годов придворным портретистом испанских королей, Гойя продолжил писать портреты и в более поздние годы. Художник быстро переходит от традиционных комплиментарных произведений к передаче внутреннего мира и индивидуальных черт характера персонажа.

Известную актрису Антонию Сарате он пишет на черном фоне в сценическом костюме восточной девы: чалма с полумесяцем, роскошное атласное одеяние с горностаевым воротником и тончайший платок, прикрывающий шею. Выступающее из темноты лицо молодой женщины бледно и печально, большие черные глаза смотрят с затаенной горечью. Донья Антония словно предвидит скорую смерть, которая через несколько месяцев разлучит ее с семьей, театром, танцами и музыкой. Гойе удалось создать скорее портрет души прекрасного и нежного человека, нежели просто изображение чарующей красавицы.

Веласкес: автопортрет в жанре бодегон

В ранний период творчества Диего Веласкес добился большого успеха в жанре бодегона — изображении бытовых сцен с людьми и едой в трактирах или харчевнях. Для бодегона характерен темный интерьер, узкий пучок света и обязательный натюрморт. Как правило, персонажами становились простолюдины.

Диего Веласкес. «Завтрак», около 1617 года, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург © Public domain

Эрмитажный «Завтрак» Веласкес написал, когда ему было около 18 лет. Композиция картины образует треугольник со светлым основанием — это стол с натюрмортом. Контрастная светотень специфического освещения погребка, простонародность типажей и натуралистичная достоверность деталей соответствуют традициям караваджизма с его интересом к бытовым сюжетам, обращением к натуре и стремлению к передаче материальной вещественности мира.

По одной из версий, молодой человек справа — сам Веласкес. Поэтому он смотрит на зрителей — художники часто таким образом обозначали себя на картинах. Несмотря на непринужденность сцены, персонажи с удачно переданными национальными чертами характера выглядят позирующими: картине недостает артистичной свободы исполнения зрелого Веласкеса.