КАТАЛОГИ И АЛЬБОМЫ | ARTAGELESS | ИСКУССТВО ВЕЧНО

Выставка произведений древнерусского искусства проводится в Останкинском музее впервые. Цель ее – познакомить специалистов и широкую аудиторию с наиболее ценными в художественном и историческом отношениях произведениями живописи XVII века, их изучением и реставрацией, а также, насколько позволяет  материал, дать представление об особенностях русской художественной культуры XVII столетия.

Останкинский музей является архитектурным комплексом, состоящим из дворца и парка конца XVII I века и церкви Живоначальной Троицы конца XVII века.

В прошлом это была подмосковная усадьба князей Черкасских (XVI Iв.), а затем графов Шереметевых (XVII Iв.). С1919 года дворец начал функционировать как музей, а в 1934 году ему было передано здание бывшей церкви с сохранившимся убранством.

Так было положено начало собранию древнерусского искусства. Позднее оно пополнилось произведениями живописи XVI—XVIII веков из фонда Музея бывшего Донского монастыря (Антирелигиозного музея искусств). В их числе иконы конца XVII столетия из церкви Воскресения «в Кадашах» - одного из интереснейших памятников московской архитектуры этого времени.

Из фондов Государственного Эрмитажа и Государственного Исторического музея в 1936 году были получены предметы мелкой пластики, ткани, книги, относящиеся в основном к XIX веку.

На протяжении всей своей истории дизайн самым тесным образом переплетался с повседневной жизнью и культурой. Вездесущий дизайн в самом широком смысле этого слова – осмысление и проектирование всех создаваемых человеком предметов.

Однако появление дизайна в нашем сегодняшнем понимании зачастую относят к зарождению машинного производства во время промышленной революции. До этого предметы изготавливались ручным способом, при котором как замысел, так и исполнение обычно осуществлялись одним автором. Появление промышленных процессов и разделение труда привели к разграничению дизайна и производства. В то же время дизайн не имел особого статуса среди многих взаимозаменяемых аспектов машинного производства, и только благодаря реформаторам дизайна, таким как Уильям Моррис, он обрел наконец свое теоретическое и философское обоснование. В результате в конце XIX и начале XX веков необычайно расцвел дизайнерский идеализм, от движения искусств и ремесла до арнуво и югендстиля. Благодаря усилиями Вальтера Гопиуса и ряда других людей вскоре последовало радикальное объединение теории дизайна с промышленным производством. В 1919 году в попытке примирить социальный идеализм с коммерческой реальностью и охватить возникавшую тогда промышленную и техническую культуру Гропису основал школа Баухаус. Выработанные в ней принципы отстаивались впоследствии чикагской школой «Новый Баухаус», позднее переименованной в Институт дизайна, а также Высшей школой художественного конструирования в немецком городе Ульм. Провозглашенное ими слияние дизайна и индустриализации получило название модернизм, или интернациональный стиль.

Аплодисменты – именно это слово в последнее время чаще всего используют журналисты в своих отчетах об аукционах. Практически все торги сегодня завершаются сенсационными продажами, которым аукционная публика, завороженно следящая за битвой трех-пятерых покупателей, просто не может рукоплескать. Аукционные торги, прежде интересовавшие узкие круги просвещенных ценителей прекрасного, сегодня стали частью индустрии шоу-бизнеса, в которую вовлечена самая широкая публика. И это – вторая причина сумасшедшего роста цен на арт-рынке (первая, конечно, это общий подъем мировой экономики). И вот уже газеты пестрят сенсационными сообщениями, что арт-рынок по доходности уступает только рынкам оружия и наркотиков.

С недавних пор подобный ажиотаж начался и вокруг русского арт-рынка. В конце 1980-х годов оборот русского арт-рынка, который в то время был сосредоточен исключительно в Лондоне, составлял немногим более 1 миллиона долларов. Тогда это казалось пределом мечтаний. В 2007 году русский рынок не только расширил свою географию (Лондон – Нью-Йорк – Москва – Стокгольм, даже везде), его годовой оборот приблизился к полу миллиарду долларов! И буквально все в безудержной эйфории говорят о том, что рост будет только продолжаться. Русское издание книги – это своевременная и точно рассчитанная инициатива АРТМЕДИА ГРУП, которая найдет отклик у читателей, чей интерес к современному искусству стал во многом определять их образ жизни.

В книгу «100 шедевров искусства Казахстана» вошли высочайшие образцы живописи, скульптуры и графики, наглядно выявляющие основные вехи развития художественной школы Казахстана ХХ века.

Каждое произведение сопровождается искусствоведческой аннотацией, в которой наряду с исследованием формального языка раскрываются богатые исторические и духовные контексты, приближая зрителя к глубокому и прочувствованному пониманию художественного памятника.
Данное издание будет интересно широкому кругу читателей, интересующихся художественным наследием Казахстана.

Представить крупные достижения и высокий уровень изобразительного искусства Казахстана отечественному и мировому культурному сообществу – одна из важнейших задач современного искусствознания. В связи с Посланием Президента Республики Казахстан народу Казахстана в марте 2009 года «Через кризис к обновлению и развитию» чрезвычайно актуальным становится осмысление ценностей и художественных достижений национальной культуры.

Шедевры казахского изобразительного искусства ХХ века выдерживают самые высокие сравнения с произведениями из мировой сокровищницы изобразительного искусства. Книга «100 шедевров искусства Казахстана» доносит до широкого круга читателей этот богатейший художественный материал как национальное достояние страны. Были отобраны, изучены и репрезентированы самые значимые произведения живописи, скульптуры и графики Казахстана ХХ столетия и рубежа веков, как наиболее эстетически совершенные, так и максимально доносящие до зрителя богатство национальной души казахского народа.

Каталог, построенный по хронологическому принципу, включает произведения мастеров швейцарской витражной школы XVI-XVIII веков, хранящиеся в Эрмитаже и представленные на временной выставке «Швейцарские витражи XVI-XVIII веков из собрания Эрмитажа».

В каталожном описании приведено название витража – по имени заказчика, названию кантона или сюжету. Затем дано его типологическое определение. Далее следуют предлагаемые нами атрибуции и датировки. Приводятся все имеющиеся на витражах надписи и подписи. В некоторых случаях надписи сохранились не полностью, поэтому их переводы даются не всегда.

В рубриках «Выставки» и «Литература» приведены только те источники, в которых описано или упомянуто произведение из собрания Эрмитажа.

Сохранность стекол дана в графических схемах, традиционных для изданий Международной организации корпуса витражей (CVMA)

В некоторых случаях к инвентарному номеру добавляются слова «стекло №…» - это вызвано объединением одной рамой нескольких разнородных витражей, сделанным в XIX веке.

Все размеры витражей указаны в сантиметрах.

Книга «Истории знаменитых полотен» уникальна по своему содержанию. В ней - впервые подробно и живо повествуется о 60 самых известных картинах русских живописцев XIX века. Кроме того, отражены творческие и духовные судьбы их создателей.

Содержит большой фактологический материал. Рассчитана на широкий круг читателей.

В детстве у меня был друг, увлекавшийся живописью. Приходя к нему, я смотрела художественные альбомы, русские и зарубежные; в зарубежную живопись вникала, свое же родное искусство не требовало усилий для понимания.

Сказывалось, очевидно, то, что изображаемое на картинах русских художников было не только прошлым, но и настоящим России. Разве надо кому-то разъяснять картину «Грачи прилетели»? Каждую весну люди видят таяние снегов, озабоченных птиц, с прилетом которых оживает природа: буйствуют ветры, мчится вода по оврагам, брызжет во все стороны солнце. «Грачи прилетели», «Золотая осень», «Март», «Мокрый луг» - это светлые мелодии родной земли, переданные красками, и на них без всякого принуждения откликается сердце.

Жанровые картины, такие, как «Видение отроку Варфоломею», «Запорожцы», «Боярыня Морозова», раскрывали передо мной страницы русской истории, наполненные духовным величием народа, его самоотверженностью, стремлением к истине и свободе. К сожалению, альбомы по живописи не содержали рассказов о том, что побудило художника взяться именно за эту тему, о чем он думал, когда писал свою картину, какою оказалась судьба созданного им полотна? Только спустя много лет, отыскивая материалы в самых разных источниках, я постепенно узнавала, что за «Боярыней Морозовой» стоит страшная народная трагедия, что Сергий Радонежский (в миру Варфоломей) сыграл огромную роль в деле созидания Руси, что запорожцы были сильнейшим форпостом России.

Икона в православной традиции — не просто произведение искусства, но и яркое выражение христианского миросозерцания, умозрение в красках. Без иконы трудно представить православный храм и богослужение, дом православного человека и его жизнь.

Православная Церковь видит в иконе не только один из видов искусства, но зримое выражение православной веры.

В древности христиане называли иконой всякое священное изображение, независимо от того, в какой технике оно было исполнено. Вдохновленные идеалами Евангелия православные народы воплотили новое видение мира, преображенного действием благодати Божией, в слове, красках и камне. Время не пощадило многое из этого наследия, но значительная часть сохранившегося представлена в этой книге: в ней собрано более 2 тысяч цветных иллюстраций икон и других произведений церковного искусства разных эпох и стран. Знакомство с ними позволит получить не только представление об истории иконописи, но и увидеть лучшие ее образцы.

Среди иллюстраций значительную часть представляют русские иконы, которые с древних времен отличались выразительностью силуэта и ясностью больших цветовых плоскостей... Судьба иконописной традиции в XX в. была непростой: три четверти столетияпрошли под знаком борьбы государства с Церковью и ее культурой. Но именно в этом веке икона была вновь открыта и в наши дни переживает период нового расцвета.

Наследие Иеронима Босха, нидерландского художника рубежа XV-XVI веков,  - уникальное явление в истории западноевропейского искусства. Оно не укладывается ни в рамки обще-европейской традиции, ни в русло развития ранней нидерландской школы живописи. В отличии от других нидерландских мастеров – Робера Кампена, Яна ван Эйка, Рогира ван дер Ведена – Иероним Босх был сосредоточен на изображении не праведников и Рая – Небесного Иерусалима, а грешных обитателей земли. Некоторые его произведения («Воз сена», «Сад земных наслаждений», «Семь смертных грехов», «Искушение Св. Антония» и ряд других) не имеют аналогов ни в современном искусстве, ни в искусстве предшествующего времени.

Нидерланды и Италия в XV веке определяли пути развития западноевропейского искусства, но пути эти были различны: Италия стремилась к разрыву с традициями Средневековья, Нидерланды предпочитали путь эволюционных преобразований.

Иероним Босх был современником великих мастеров итальянского Возрождения – Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля, - однако творчество нидерландского художника совсем не затронуло влиянием итальянского искусства ни в области идейного содержания, ни в решении художественных задач. Босх не использовал метод работы с натуры, не интересовался проблемами точного изображения тела (анатомии, пропорций, ракурсов), а также построением математически выверенной перспективы. Живописцы Северной Европы по-прежнему были склонны изолировать человеческую фигуру от ее окружения, так и не преодолев средневековой традиции расчленения композиции на фрагменты, в рамках которой каждую фигур и каждый предмет полагалось трактовать как некий смысл. Главным для Босха было содержание его произведений, экспрессия, эмоциональная выразительность: художник «переводил» сюжет или текст непосредственно в изобразительное повествование.

Ничто не волнует сильнее, чем то, что не увидело свет; недосказанность порождает слухи: Мишель Фуко якобы написал более сотни страниц о Мане, и никто не хочет верить, что они пропали.

Реальность не утешительна; Даниэль Дефер утверждает: Фуко много работал над трудом о Мане, он делал многочисленные заметки, он весьма интересовался ателье Кутюра, но дописал только лекцию, прочитанную с некоторыми вариациями в1967 году в Милане, в 1970 году в Токио и во Флоренции, а потом, в 1971 году, в Тунисе.

Хотя, как свидетельствует проект договора 1967 году с издательством «Minuit», y книги о Мане есть имя: «Чёрное и цветное», она существует как маллармеанская книга. Лекция читалась под названием «Живопись Мане». Следует ли рассматривать её как часть утраченной книги или как то, что заставило Фуко отказаться от написания книги?

Это след так и не увидевшего свет шедевра или свидетельство утраченной иллюзии? В отсутствие всяких следов утраченных речей тайны, которыми окружено имя «Мане», разжигают любопытство, слухи множат толкования и безосновательные утверждения. Отсюда неистовое стремление за неимением лучшего завладеть текстом «Лекции». Всем известно, на что способно желание: подпольно циркулируют тексты, расшифровки, претендующие на буквальность, приблизительные или неточные, внебрачные и незаконные.

Посетителю крупного музея — такого, как Лувр в Париже или Национальная галерея в Лондоне, — для осмотра всей экспозиции потребуется не один день, а может быть, и не одна неделя. Даже в небольших музеях зритель не в состоянии уделить одинаковое внимание всем экспонатам, ибо возможности восприятия человека ограничены.

Музей, о котором рассказывает книга, придуман специально для читателей. Это - воображаемый музей. В нем собрано около 230 различных картин, скульптур и фотографий памятников архитектуры.

Конечно, все экспонаты существуют в реальном мире: картины и скульптуры входят в коллекции крупнейших музеев, их можно увидеть в знаменитых соборах и дворцах. Только сила нашего воображения собрала эти сокровища вместе. Что же касается архитектурных памятников, то они стали залами нашего музея.